The Luxury of Dirt
Kuratiert von Michele Robecchi

Mit: Bani Abidi // Armen Eloyan // Gelitin // Jan Kempenaers // Sarah Lucas // Paul McCarthy // Aleksandra Mir // Katrina Moorhead

12. Februar - 26. März 2011
Eröffnung: Freitag, 11. Februar 2011, 18 – 20 Uhr

Die Galerie Bob van Orsouw freut sich, die Ausstellung The Luxury of Dirt präsentieren zu dürfen. Diese spürt, wie es im Titel mit der rhetorischen Stilfigur eines Oxymorons angedeutet wird, zwei sich radikal gegenüberliegenden Polen sowie der Beschaffenheit ihrer engen Verbindung nach. Das Wort „Dreck“ (Engl. dirt) wird üblicherweise verwendet, um auf eine Verschmutzung, Geringschätzung, Korruption oder einen Skandal hinzuweisen. „Luxus“ (Engl. luxury) hingegen steht für etwas, das mit Vergnügen und Annehmlichkeit in Verbindung gebracht wird und über alles hinaus betrachtet, nicht notwendig ist. Das wiederum ist eine Feststellung, die zum Ausgangspunkt der Überlegung zurückführt. Währenddem erstere Auslegung des Paradoxons offensichtlich problematisch erscheint, erzeugt das widersinnige Nebeneinander der beiden Begriffe in der zweiten Variante, genauer gesagt der Ausstellung, einen schmalen Konfliktgrad.

Die künstlerischen Arbeiten in The Luxury of Dirt unterscheiden sich konzeptuell und formal entlang eben dieses feinen Grades. Der Einsatz von Elementen und Materialien, die als “dreckig” oder “geringwertig“ erachtet werden, leiten in eine intellektuelle oder ästhetische Diskussion über. Die Re-Kontextualisierung ikonographischer Bilder und ihre Transformation in gesellschaftliche Aussagen sowie der unfreiwillige, elitäre Symbolgebrauch und Objekte, die eine alltäglichen Wohlstandsbegriff repräsentieren, werden aus verschiedenen Sichtwinkeln betrachtet. Damit wird ein Aufklärungsverlangen bestimmter Zustände zur Geltung gebracht, die in dekonstruktivem und rekonstruktivem Prozess durchlaufen werden.

Bani Abidis (*1971) Inkjet-Print-Serie Intercommunication Devices (2008) hält die Doppeldeutigkeit von Kommunikationsmitteln fest, insbesondere das schlecht zu verheimlichende Merkmal, dass diese in einer wohlhabenden Nachbarschaft ihres Geburtsorts Karachi einem als Instrumente der Trennung von öffentlich und privat erscheinen. Die surreale Dimension von Armen Eloyans (*1966) Leinwänden sind Bebilderungen mit offensichtlich grotesken Farbtönen. Aber auch in ihren lautesten und schmutzigsten Momenten erscheinen einem die Bilder aufgrund ihrer unkonventionellen Gestaltungsart unschuldig und romantisch zugleich. Gelitins (Florian Reither, *1967 / Tobias Urban, *1967 / Wolfgang Gantner, *1970 / Ali Janka, *1971) One Is Too Much and a Hundred Are Not Enough (2010) nimmt Bezug auf Andy Warhols serielle Reproduktion Thirty Are Better Than One (1963) von Leonardos Mona Lisa. Die enigmatische Lady wird einer Spiegelhausbehandlung ausgesetzt, was ein Spiel mit ihrer äusseren Erscheinung und ihrem ikonischen Status erzeugt. Die Bildergalerie bringt multiple Porträts hervor, welche die makellose Schönheit des Bildes wie auch die krasse Kommerzialisierung der Kunst offenbaren. Aleksandra Mirs (*1967) Venezia (All Places Contain All Others) (2009) gibt einen beissenden Kommentar zur Tourismus-Industrie, welche die italienische Stadt beherrscht, ab. Ein Set von exotischen Postkarten zeigt die Lagune in tropischer oder schneebedeckter Form, wobei nicht alle abgebildeten Plätze direkt mit der Stadt in Verbindung stehen. Jan Kempenaers (*1968) Fotografien dokumentieren die dunkle Seite der politischen Propaganda und eröffnen eine deprimierende Perspektive auf den heutigen Status einiger der extremsten Beispiele monumentaler Architektur im ehemaligen Jugoslawien. Sarah Lucas (*1962) Pepsy & Cocky (2007) eignet sich erfolgreich Basismaterialien wie Stühle und zwei gefüllte Halbfiguren an, um dadurch in einer Serie von Fotografien deren Doppeldeutigkeit anzudeuten, die auf Humor, visuelle Bildwitze und sexuelle Metaphern verweisen. Katarina Moorheads (*1971) Skulpturen begründen eine andere Art von Fokussierung auf das offensichtlich Gewöhnliche und wandeln dieses in etwas Neues um, wie die Feuerwerkrestenbox und die Hüllen in Draumalandid, RedGreenBluePeony (2007) belegen. Eine Ausstellung, die sich The Luxury of Dirt nennt, kommt letztlich nicht umhin Paul McCarthys (*1945) Arbeiten mit ihrem Mix aus Sex, Essen, freudianischen Symbolen und Populärkultur einzuschliessen, deren Wirkung Generationen von Künstlerinnen und Künstlern tief greifend beeinflussten und auch heute noch so aktuell wie vor 40 Jahren sind.

Michele Robecchi

Wir danken folgenden Galerien für ihre Unterstützung und dafür, dass dieses Ausstellung möglich wurde: Green Cardamom, London; Sadie Coles HQ, London; Hauser & Wirth, Zürich; Inman Gallery, Houston; Nicola von Senger, Zürich.

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The Luxury of Dirt
Curated by Michele Robecchi

With: Bani Abidi // Armen Eloyan // Gelitin // Jan Kempenaers // Sarah Lucas // Paul McCarthy // Aleksandra Mir // Katrina Moorhead

12 February – 26 March 2011
Opening: Friday, 11 February 2011, 6 to 8 pm

Galerie Bob van Orsouw is pleased to present The Luxury of Dirt, a twofold exhibition that, like the oxymoron in the title suggests, aims to investigate two radically opposite poles and the close relationship they occasionally entertain. The word ‘dirt’ is normally used to indicate squalor, contempt, corruption or scandal. ‘Luxury’, on the other hand, stands for something that provides pleasure and comfort and is, above all, not absolutely necessary. This is where things come full circle. While clearly problematic, the paradoxical coexistence of these two realities generates a liminal area of conflict, which this exhibition proposes to explore.

Conceptually and formally diverse, the work of the artists in The Luxury of Dirt walks along this fine line; issues such as the introduction of elements considered ‘dirty’ or ‘poor’ into an intellectual or aesthetic dimension, the re-contextualization of iconographic images and their transformation into social statements, and the involuntary elitism of symbols and objects designed to represent common well-being are addressed from different angles, while emphasizing a desire to investigate a particular condition by going through a deconstructive and reconstructive process.

Bani Abidi’s (*1971) series of inkjet prints, Intercommunication Devices (2008), captures the ambiguity of communication tools and their badly concealed status as an instrument of separation between public and private in a wealthy neighbourhood of her native Karachi. The surreal dimension of Armen Eloyan’s (*1966) canvases is depicted with overtly grotesque tones, and yet even in their loudest, dirtiest moments, they appear innocent and romantic in an unconventional way. Gelitin’s (Florian Reither, *1967 / Tobias Urban, *1967 / Wolfgang Gantner, *1970 / Ali Janka, *1971) One Is Too Much and a Hundred Are Not Enough (2010) takes a cue from Andy Warhol’s serial reproduction of Leonardo’s Mona Lisa in Thirty Are Better Than One (1963), and subject the enigmatic lady to a house-of-mirrors treatment, playing around with her features and her iconic status to create a gallery of multiple portraits that question the pristine beauty of the image as well as the blatant commercialization of art. Originally presented at the 53rd Venice Biennale, Aleksandra Mir’s (*1967) Venezia (All Places Contain All Others) (2009) makes a caustic comment on the tourism industry that dominates the Italian city with a set of exotic postcards that promotes the Lagoon area by picturing tropical and snow-covered places not at all connected to the city. Jan Kempenaers’s (*1968) photographs document the dark side of political propaganda and offer a depressing perspective on the current status of some of the most extreme examples of monumental architecture in the former Yugoslavia. Sarah Lucas’s (*1962) Pepsy & Cocky (2008) successfully appropriates basic materials like a chair and two stuffed half-figures and exploits their ambiguity through a series of photographs that embrace humour, visual puns and sexual metaphors. Katrina Moorhead’s (*1971) sculptures constitute another way of focusing on the apparently ordinary and converting it into something new, as the residue fireworks box and shells of Draumalandid, RedGreenBluePeony (2007) testifies. Finally, an exhibition called The Luxury of Dirt couldn’t fail to include Paul McCarthy (*1945), whose works, with their explosive mix of sex, food, Freudian symbols and popular culture, have deeply influenced generations of artists and are as relevant today as they were 40 years ago.

Michele Robecchi

We wish to thank the following galleries for their support and for making this exhibition possible: Green Cardamom, London; Sadie Coles HQ, London; Hauser & Wirth, Zurich; Inman Gallery, Houston; Nicola von Senger, Zurich.