MICHAEL MARKWICK
 

1974 geboren in den USA
1998 Bachelors of Fine Arts, Calvin College, Grand Rapids, Michigan
2002 Masters of Fine Arts, Indiana University, Bloomington, Indiana lebt und arbeitet in Berlin
 

Michael Markwick – Sunshine for a Long Midnight

Die Gemälde dieser Ausstellung sind zwischen Herbst 2019 und Frühjahr  2020 entstanden. Als ich mit der Arbeit an diesen Bildern begann, dachte  ich an die Beziehung zwischen Mensch und Natur, und an die  Zerbrechlichkeit unseres Zeitalters. Und jetzt, da die Corona-Pandemie  unseren Geist besetzt, findet also diese Ausstellung statt. In den  Werken, die zu sehen sind, schwingt – wenn auch nur zufällig – das  Moment der Krise mit. Das ist insofern passend, als die Pandemie zeigt,  wie eng wir mit der Natur verbunden sind, sowohl mit ihrer Schönheit als  auch mit ihren Bedrohungen. Das übergeordnete Thema dieser Werkauswahl  betrifft die offenen Fragen bezüglich unserer spirituellen Beziehung zur  Natur und zueinander. 

Während ich in meinen früheren Werken bevorzugt mit Leinen arbeitete,  sind diese neueren Bilder auf Seide gemalt. Die Idee, mit Seide zu  experimentieren, kam mir vor Jahren, als ich von einem Besuch in  Hongkong und Taiwan zurückkehrte – einer Weltregion, in der die  Seidenmalerei seit über 2.000 Jahren betrieben wird. Interessanterweise  befindet sich dieses Material genau an der Schnittfläche von Natur und  Kultur: Ursprünglich wurde der Stoff aus den Kokons der  Maulbeerseidenraupen gewonnen und steht beispielhaft für die  unausgewogene Partnerschaft von Mensch und Natur – wenngleich mit einem  wunderschönen Ergebnis. Und so war es vor allem ihre verführerische  Lichtdurchlässigkeit und Flüchtigkeit, die mich zum Experimentieren mit  Seide bewogen. Das Malen mit Acryl auf Seide ist ungeheuer  anspruchsvoll, da sich auf einer solch empfindlichen Oberfläche kaum  etwas verbergen lässt. Die Farbschichten dieser Arbeiten setzen sich aus  zartesten Lasuren zusammen. 

In den hier gezeigten Bildern erkunde ich das Licht eines  sommerlichen Sonnenuntergangs – ein Licht, das tief in den Abend reicht  und auch dann noch leuchtet, wenn die Sonne längst hinter dem Horizont  verschwunden ist. Schon seit langem fasziniert mich das Licht in den  Grafiken des japanischen Ukiyo-e-Künstlers Utagawa Hiroshige und in den  Gemälden von französischen und italienischen Malern wie Nicolas de  Staël, Giotto oder Piero della Francesca. Man könnte meinen, dass Licht  in diesen Werken ein aktives Element darstellt, dass es das eigentliche  Thema ist. Ich habe mich nie wirklich als abstrakten Maler verstanden. Alle  meine Werke haben mit sehr konkreten Formen und Vorstellungen zu tun,  die wiederum auf Geschichten, realen oder imaginären Situationen,  Umgebungen und Symbolen beruhten. In den Seidenbildern arbeite ich an  der Vereinfachung meiner Bildsprache. In dieser Werkgruppe finden sich  Geschichten von Figuren, die sich verändern und verwandeln. 

„Ghost Flower“ beispielsweise ist ein Symbol der Zerbrechlichkeit.  Die fast kindliche Erscheinung stellt das Skelett einer Blume dar.  Dieses Motiv wiederholt sich in „Girl Planting“: Ein Mädchen in seinem  Garten versucht Blumen zu pflanzen, die schon vergehen, bevor sie  richtig beginnen. Hoffnung und das Bemühen um neues Wachstum sind  allgegenwärtig – diese Gärtnerin hört nicht auf, neue Samen zu säen. Das  großformatige Werk „Tree Hugger“ zeigt eine abstrakte skelettartige  Figur, die mit der Baumspitze einer stark leuchtenden Kiefer  verschmilzt. Der Ausdruck „Tree Hugger“ wird oft in einem negativen  Sinne verwendet. Ich wollte dem Begriff seinen ursprünglichen Wortsinn  wiedergeben: jemand, der einen Baum retten möchte, eine positive  Handlung also. In „The Patient“ beugt sich eine Figur mit einem  maskenartigen Gesicht über eine andere. Das wirkt bedrohlich, aber  zugleich wollte ich auch ein Gefühl von Zärtlichkeit vermitteln. Unter  dem Kinn der Figuren sieht man einen Arm mit einer Hand an beiden Enden.  Die beiden Figuren sind eng miteinander verbunden. 

Der Akt des Malens bedeutet für mich, an der Gegenwart teilzuhaben.  Und in unserem gegenwärtigen Zustand aus „Furcht und Zittern“ handeln  wir unsere fragilen Beziehungen neu aus – nicht nur mit der Natur,  sondern auch untereinander. 

Michael Markwick, Mai 2020
Übersetzung: Ingrun Wenge

MICHAEL MARKWICK
 

1974 born in the USA
1998 Bachelors of Fine Arts, Calvin College, Grand Rapids, Michigan
2002 Masters of Fine Arts, Indiana University, Bloomington, Indiana lives and works in Berlin
 

Michael Markwick – Sunshine for a Long Midnight

The paintings in this exhibition were made during the fall of 2019  through the spring of 2020. When I began working on these paintings, I  was thinking of our relationship to nature, and our age of fragility.  Nevertheless, this exhibition is taking place now, and the Covid19  pandemic has filled our minds. The work in this exhibition resonates  with this moment of crisis, although by accident. It fits for good  reason, because the pandemic has laid bare that we are intimately tied  to nature – its beauty but also its threats. The overall theme in this  selection of works is one of open questions about what we might call our  “spiritual” relationship to nature and each other. 

This new body of work was painted on silk, as opposed to the linen I  favored earlier. The idea of exploring silk came to me years ago after a  visit to Hong Kong and Taiwan, an area of the world where silk painting  stretches back over 2000 years. Interestingly, the material itself is  at the meeting point of nature and humanity. The fabric was originally  spun from the cocoons of the mulberry silkworm larvae, an example of an  unbalanced partnership between humans and nature, albeit with beautiful  results. Indeed, silk’s alluring semi-transparency and ephemerality are  what drew me to experiment with it. Painting with acrylic on silk is  tremendously demanding, as not much can be hidden on such a delicate  surface. The layers of paint in these works have become the thinnest of  glazes.  

The works in this show explore the kind of light cast by a summer  sunset, a light that stretches far into the evening. Light still glows  after the sun has gone down behind the horizon line. I have had a long  fascination with the light in the prints by Japanese ukiyo-e artist  Utagawa Hiroshige, and in the paintings by French and Italian painters  such Nicolas de Staël, Giotto, and Piero della Francesca. One could  argue that light is an active element in these works, just as much as  the subject matter. 

I have never really considered myself an abstract painter. All my  works have been related to very concrete forms and ideas that were based  on narratives, real or imagined situations, environments, and symbols.  Here, I am working to simplify my language. This group of works includes  narratives of figures in transformation or change. 

“Ghost Flower” offers a symbol of fragility. Almost childlike, it is  actually a skeleton of a flower. This motif is repeated in “Girl  Planting.” A girl in her garden attempts to plant flowers that almost  disappear before they really begin. Hope and the effort for new growth  are perpetual; this farmer continues to plant new seeds. The large work  “Tree Hugger” shows an abstracted skeletal figure merging with the top  of a pine tree that is radiating light. While the expression “tree  hugger” is often used negatively, I wanted to reclaim this term to  reflect its original, literal sense – someone attempting to save a tree,  a positive action. In “The Patient,” one figure with a mask-like face  leans over another. It is threatening, but I also wanted to convey a  feeling of tenderness. Below the chins of the figures, you can see an  arm with a hand on both ends, the two figures linked intimately. 

For me, the process of painting is participation in the present. And  in our present moment of “fear and trembling,” we are renegotiating our  fragile relationship not only to nature but also to each other.  

Michael Markwick, May 2020