«full of merit, yet poetically, man dwells on this earth» In Lovely Blue - Friedrich Hölderlin 1843

Exhibition Curated by Lucien Terras

Perrotin is pleased to present Dwellers, a dual exhibition across our New York and Paris galleries that brings together the work of nine artists who explore how place impacts the making of an artwork. In the ontological sense, to dwell in a house is not merely to be inside it spatially, rather it is to belong there, to have a familiar place. Participating artists — Liam Allan, Jean-Philippe Delhomme, Leslie Hewitt, Denise Kupferschmidt, Fared Manzur, Joseph Montgomery, Ann Pibal, Julia Von Eichel, and Carrie Yamaoka — each explore the notion of dwelling through three distinct practices: work created in the studio, through digital space, and on site.

In the Studio 
The title of the show stems from an artwork by Fared Manzur, a Miami based artist who will make his New York debut in Dwellers. Manzur’s studio is located in the Rice Hotel, a historically significant structure built in 1905 in downtown Miami that was left vacant for decades. The clean, minimalist lines of Manzur’s paintings and sculptures are in direct contrast with the hotel. The exhibition’s namesake work, Dweller, is a horizontal monochromatic yellow painting that lies flat on the floor, adorned with a clay sculpture of an insect resting on its surface, symbolizing a species endemic to the space. 

Ann Pibal, working form Vermont and Brooklyn, will contribute a new series of near-monochrome paintings, which over the span of the group evoke an evolving, fading depiction of glowing light. The use of metallic and iridescent paint, (silvers, golds, and bronzes) adds a sensual element which directly interacts with the exhibition space, reflecting both the ambient light of the gallery, and the movement of viewers through the evolution of color across the panels. The central motif of these works is a rectangle which in its proportion echoes the format of the painting overall. Diagrammatic representations of books or volumes in each image extend the reference to time – allowing an apparently neutral shape to evoke not just the phenomenon of fleeting, transitory, light, but the mutability of understanding.

Working from a residential home in Brooklyn, Julia von Eichel crafts large-scale organic forms that evoke the studio space itself. Stained with splashes of acidic colors, Eichel’s works on view in New York stretch beyond the canvas, spilling out into the surrounding space. Constructed from a variety of materials — including a complex armature with wood dowels, wiffle balls, string, and thread covered in silk — each wall relief is a controlled force, imbued with a sense of struggle and imbalance. The pastels on paper and mylar exhibited in Paris evoke a similar vital growth with repeated gestures and layering filling the surface. 

Emphasizing the high ceilings of Perrotin New York’s gallery spaces, Carrie Yamaoka will present disarmingly obtuse reflective surfaces. Yamaoka is interested in the tactility of that which is barely visible, as well as the very real chain of incidents that determine an object. Her process consists of rubbing the wall with mylar and pouring resin, which creates a mirror surface that records the artwork’s journey, from an industrial loft in New York to its final gallery space. The viewer’s blurred reflection becomes part of the work. In Paris she will present a series of five. 

Denise Kupferschmidt will present a series of new paintings that include repeated figures or graphic architectural motifs, created from her Queens studio. The motif of the sun, seen in Day Night Repeat as well as other works, reference the comfort of a repeated daily routine and the stability of a normalized existence — offering a counterpoint to our ongoing collective feeling of sadness and loss. As the artist says, her paintings “watch the earthly elements of home morph into something that feels remote, while we stay put.” 

Digital spaces 
Scottish born, Brooklyn based Liam Allan will debut his practice for the first time in the United States, presenting work that moves between digital and physical environments. His drawings, carefully rendered in pencil on paper, begin with digitally reconstructed contemporary artifacts, which he then edits and distorts in an attempt to subvert the authenticity of the depicted object. Their forensic acuity suggest an exploration of the real mediated by the digital.

Using a simple unit, wood shim, as a form of ready-made material, New York-based Joseph Montgomery generates wall paintings that are at once rhythmic and architectural. His abstract, digital sceneries are occupied by schematic dolls, acting both as animation and physical sculptures that create anthropomorphic compositions. The artist will concurrently present a new video and several large-scale doll sculptures that will revert the grand scale of the exhibition space into an architectural model. 

On site 
As a painter of the real, Paris-based Jean-Philippe Delhomme’s practice revolves around being present in a place, working directly from his eye and never from photography. In New York, the artist will introduce landscapes recently painted in Greece. Central to the landscapes are vernacular dwellings: simple houses by the sea, centuries old, that convey a sense of perennial continuity. Concurrently in Paris, Delhomme will debut a new series of paintings that depict the interior of a large studio he occupied in Asnieres for a period of time. Scattered around the empty space, pedestals, speakers, a motorbike and other objects evoke a sculptural installation. 

Leslie Hewitt will introduce in New York a new series of diptych photosculptures. Realized in Marfa, Texas, the works take the sky and light reflections emitted from Dan Flavin’s untitled (Marfa project), a permanent installation at the Chinati Foundation, executed by Flavin in 1996. This presentation of works offers a prelude to a project Leslie Hewitt is developing for Dia next Summer at the Dan Flavin Institute in Bridgehampton. Both lyrical and controlled, they extend, as Hewitt says, her work’s “relationship to the entanglements of optics, physical space and light.” In Paris, one of her signature leaning photographs will be presented along other wall works.

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 « Riche en mérites, mais poétiquement toujours, sur terre habite l’homme. » En bleu adorable - Friedrich Hölderlin 1843  

Perrotin se réjouit de présenter Dwellers, une double exposition qui se tient dans nos galeries de New York et Paris. À travers leurs travaux, les neuf artistes réunies explorent la façon dont le lieu influence la confection d’une œuvre. Dans son acception ontologique, le terme to dwell – habiter – ne revêt pas seulement un sens spatial, mais fait aussi référence au sentiment d’appartenance, de familiarité d’un environnement. Liam Allan, Jean-Philippe Delhomme, Leslie Hewitt, Denise Kupferschmidt, Fared Manzur, Joseph Montgomery, Ann Pibal, Julia von Eichel et Carrie Yamaoka examinent tour à tour la notion d’habitation, à travers trois lieux de pratique : le studio, l’espace numérique et le terrain de création.  

In studio  
Le titre de l’exposition provient d’une œuvre de Fared Manzur, artiste basé à Miami qui sera présenté pour la première fois à New York dans le cadre de Dwellers. Son studio est situé dans le Rice Hotel, un édifice historique construit en 1905 dans le centre de Miami et laissé à l’abandon pendant plusieurs décennies. Les lignes épurées et minimalistes des tableaux et des sculptures de Fared Manzur contrastent radicalement avec l’architecture. L’œuvre Dweller, homonyme de l’exposition, est un tableau monochrome jaune, installé horizontalement sur le sol et orné d’une sculpture en argile représentant un insecte posé sur sa surface, symbole d’une espèce endémique de cet espace.  

Ann Pibal travaille dans le Vermont et à Brooklyn. Elle proposera ici une série de tableaux presque monochromes qui, pris dans leur ensemble, évoquent la représentation mouvante et éphémère d’une lumière éclatante. Le recours à des peintures métalliques et irisées (argents, ors et bronzes) apporte une touche de sensualité, qui interagit directement avec l’espace d’exposition en reflétant l’éclairage de la galerie et les mouvements du public à travers l’évolution des couleurs sur les panneaux. Le motif central de ces travaux est un rectangle, dont les proportions font écho au format du tableau entier. Les représentations schématiques de livres ou de volumes dans chaque image élaborent un rapport à la temporalité: une forme en apparence neutre suggère non seulement le caractère fugace et passager de la lumière, mais aussi la versatilité de la compréhension. 

Julia von Eichel travaille depuis un lieu de résidence à Brooklyn. Elle confectionne des formes organiques à grande échelle qui font écho à l’espace du studio lui-même. Tachées d’éclaboussures de couleurs acides, les œuvres de Julia von Eichel visibles à New York s’étirent au-delà du cadre, se déversent tout autour de la toile. Constitué de différents matériaux, formant une armature complexe faite de chevilles en bois, de balles wiffle, de cordes et de fils couverts de soie, chaque relief mural représente une force maîtrisée, qui dégage une impression de lutte et de déséquilibre. Les pastels sur papier et mylar exposés à Paris évoquent un mouvement de vie similaire, avec des gestes répétés et des superpositions saturant les surfaces.  

Soulignant les hauts plafonds de la galerie Perrotin à New York, les surfaces réfléchissantes de Carrie Yamaoka sont empreintes d’une étrangeté floue. Carrie Yamaoka s’intéresse à la matérialité de ce que l’on ne voit pas, ainsi qu’à la succession d’incidents qui déterminent la forme d’un objet. Sa méthode consiste à appliquer du mylar sur une paroi, puis à verser de la résine, pour créer une sorte de miroir qui devient le témoin du parcours de l’œuvre, depuis un loft industriel de New York jusqu’à l’espace de la galerie. Le reflet trouble des personnes qui l’observent devient partie intégrante de la création artistique. À Paris, l’artiste présentera une série de cinq travaux muraux composés de résine polyuréthane souple moulée.  

Denise Kupferschmidt présentera une série de nouveaux tableaux habités de formes répétitives ou de motifs architecturaux graphiques, créés depuis son studio du Queens. Le soleil, qui apparaît dans Day Night Repeat ainsi que dans d’autres travaux, fait référence à l’aspect réconfortant de la routine quotidienne et à la stabilité d’une vie codifiée. Il offre une contrepartie à l’actuel sentiment collectif de tristesse et de perdition. Comme le dit l’artiste elle-même, ses tableaux « observent les éléments matériels du chez-soi se transformer en quelque chose qui semble distant, tandis que nous demeurons immobiles.»  

En ligne  
Né en Écosse et basé à Brooklyn, Liam Allan montrera son travail pour la première fois aux États-Unis. Ses propositions se situent à la croisée de l’univers numérique et du monde physique. Ses dessins au crayon sur papier sont le fruit d’une exécution minutieuse. Ils prennent pour point de départ des reconstitutions numériques d’objets contemporains, que l’artiste modifie et déforme par la suite, pour tenter de subvertir l’authenticité des éléments représentés. Leur précision scientifique ouvre la voie à une exploration du réel par l’intermédiaire du numérique.  

À l’aide d’un objet simple, une cale en bois faisant office de matériau prêt à l’emploi, l’artiste Joseph Montgomery basé à New York conçoit des peintures murales à la fois rythmiques et architecturales. Ses paysages abstraits numériques sont peuplés de figurines schématiques animées ou statiques, qui donnent lieu à des compositions anthropomorphes. L’artiste présentera simultanément une nouvelle vidéo et plusieurs sculptures de figurines de grande taille, qui transformeront l’immense volume de l’espace d’exposition en maquette architecturale.  

Sur le terrain  
Peintre du réel basé à Paris, Jean-Philippe Delhomme axe sa pratique sur sa présence physique dans un lieu, en travaillant directement à partir de ce qu’il voit, jamais à partir de photographies. À New York, il présentera des paysages récemment peints en Grèce. Les habitats vernaculaires sont au cœur de ces tableaux: les maisons de bord de mer, simples et centenaires, véhiculent un sentiment de pérennité. Parallèlement, l’artiste proposera pour la première fois à Paris une nouvelle série de travaux représentant l’intérieur d’un vaste studio qu’il occupait à Asnières. Dispersés dans la salle vide, des piédestaux, des haut-parleurs, une moto et d’autres objets évoquent une installation sculpturale.  

Leslie Hewitt présentera à New York une nouvelle série de diptyques de photosculptures. Réalisées à Marfa, au Texas, les œuvres capturent les émissions lumineuses du projet sans titre (Marfa project) de Dan Flavin, une installation permanente située au sein de la Chinati Foundation depuis 1996. Cette proposition constituera un prélude à un projet en cours d’élaboration, destiné à la Dia Art Foundation et qui sera dévoilé l’été prochain au Dia Bridgehampton, qui héberge également le Dan Flavin Art Institute. Ces travaux, qui témoignent à la fois d’un sens du lyrisme et d’une grande maîtrise, explorent plus en profondeur « les intersections entre l’optique, l’espace physique et la lumière », selon les mots de l’artiste. À Paris, l’une de ses photographies emblématiques sera présentée parmi d’autres œuvres murales.