Heinz-Norbert Jocks An Insurrection of the Inconspicuous On the Painting of Idowu Oluwaseun   The artist Idowu Oluwaseun was born in Lagos in 1982 and lives today in Houston, Texas; he initially studied at the School of Art, Design and Printing of Yaba College of Technology in Lagos and then under Rita McBride at the Arts Academy of Düsseldorf. His paintings convey a magically charged, sometimes even mysterious atmosphere, although he is no surrealist with a proclivity for the magical like René Magritte, but rather a passionate realist with a certain predilection for details. Working from his own photographs, he does not simply content himself with making paintings look like photographs. Rather, he emphasizes their photographic effect, this strange “as if”. Indeed, although their similarity to photographs is so striking, it remains evident, that here, the painter is masterfully and subtly reproducing in paint photos in such a way that the pictures produced in the process can at the end indeed be viewed as comprehensive paintings. Here, a painter virtually simulates a photographer in a perfect way, yet at the same time deviates from the template. On the one hand, this has to do with his assertion of verisimilitude. On the other hand, it has to do with the fact that he is concerned with representing a moment and not a lengthier period of time. As a painter who dives into the wealth of nuances of photography, in order to come just as close to them as possible, he consequently insists upon the perspective of his medium. This means he wants to emphasize that his pictures refer to a reality and do not create any fictions. Subtly oscillating between the two mediums, he so awakens the paradoxical appearance that what is painted is photographed and real. At the same time, he says everything is painted, implying he required more time for the depiction than the photographer did to take the picture. He lets us linger in this intermediate zone. Precisely due to this, the moment captured by him gains a meaning cut out from the indifferent flow of time. He highlights them through painting by employing accents that be similarly emphasized in photography. All this forces us visitors to involuntarily ask, why is this moment captured? What is it referring to and what does it contain? What significance is ascribed to what is displayed? As a start, his genre is portraits of people from his Nigerian homeland, men as well as women, all of them young in age. The way in which he paints portraits of people is reminiscent of the style of portraiture of African photographers, especially Malian Seydou Keïta, who was born in 1923 in Bamako and died in Paris in 2001. Idowu invokes his work as a source of inspiration, and, sure enough, the parallels are noticeable. Keïta also had his models pose in front of the camera in his studio with their possessions or accessories like radios, clocks or motor scooters. With him, they too wear African outfits. Idowu adopted this idea. Yet in contrast to the people portrayed by Keïta, whose faces touch us emotionally and allow us to sense their psychological conditions and living situations, Idowu primarily shows bodies in their entire beauty but without any physiognomy. By concealing either part or all of the heads of his models with patterned cloths, so that only their noses and mouths peak out, he lends them a protective anonymity from any questioning. To the extent that he blends out everything we ordinarily associate with portraits, we can speak here in a certain way of an anti-portrait. Neither names are named nor are characteristics enumerated. In this way, it is impossible to gaze behind the outer appearance. Thus, we are prevented from forming a concrete image of the models. The facelessness is the idea, to the extent that reading traces of a life into the faces is not just pushed into the background, but rather limits are intentionally set on doing so. According to Idowu, “the faces are consciously covered in order to protect the bearers of my message. And in order to show how faceless the minority is”. This information about his intentions lends another perspective to his portrayals of Yoruba, who pose like for a photo shoot, but not with the intention of highlighting their individuality. He has something else in mind. In fact, with the help of the portraits, he directs our attention to the global public’s ignorance about his country, which is the most populous on the African continent. He himself sees in the potential of the mass of the impoverished, suppressed by the political leaders of his homeland, a possible beacon of hope for humanity. His concern is the way Nigerians are perceived at home as well as among the diaspora in other nations, together with the hardship and uncertain living conditions of his compatriots - impoverished en masse and threatened with murder - who suffer greatly under the political circumstances. Yet he has created no pictures out of the desperate daily life of Nigerians.   What do we see then? In front of us two young men, onto whom the light falls from the left in such a way that half of their naked upper bodies are illuminated and shine, while the other half gradually darkens. One is wearing blue overalls, the other red jeans and has, in addition, a black suitcase. Their upper bodies are painted so accurately, that we visualize nearly every pore on their skin, every sinew and every muscle. When the one whose face is turned in our direction positions himself directly in front of us, we are on the one hand reminded of the dark chapter of slavery, when bodies were eyed up and traded like wares. On the other hand, we gain the impression that people are being presented here, whose individuality and personality are consciously being withheld from us. The confounding omission of the face can be understood as a criticism of the lack of recognition and the disregard with which the world treats the culture and the life of the people of Nigeria. At the same time, the faces in the representation are left out so that they are not subjected to our gaze. A distance is erected as a safe area, sort of speak.   As the heads are covered up to the neck, neither eyes nor nose are visible, and no mouth or ears can be seen either. Those portrayed remain absolute mysteries for us viewers that cannot be solved. The only things that indicate that we are dealing with twins here are that their bodies are similar as well as that they are holding hands. Their head coverings differ in color and in pattern as a symbol that both are standing on the threshold where their previous shared life path divides.   This is not the only image of a set of twins that Idowu has painted a portrait of. That he occupies himself with twins has to do with the fact that Nigeria has the highest birthrate of fraternal twins in the world. They are presumed to be a gift from god and bring luck, are treated with affection, love and respect and their birth is welcomed as a good omen. However, in pre-colonial times, they were interpreted as a bad omen, drowned or left to die of exposure and their mothers were often killed because one suspected they had slept with two men. Even today, the people in Yorubaland, in the southwest of Nigeria, believe that twins have joint souls. If a twin brother or sister dies, the surviving child will be given a wooden figure at his or her side, in which the second half of the soul is meant to live on. Clothed like the twin, it is given food and taken to the market by the mother. The belief is that otherwise, the living twin could not survive.   In contrast to the twin brothers, whose faces are hidden, the heads of the twin sisters Idowu painted - their arms propped on an old radio and their hands gently touching - are not completely concealed. Our gaze falls on the area between their mouths and chins, especially their shining lips. Their firm sensuality is yet underlined through their fluttering shirts. oth wear black tank tops over smooth skin, as well as black necklaces and monochrome hijabs which conceal their hair, neck and ears as usual as well as their eyes. Their intimate bond can also be seen in the fact that one sister has placed her hand under the hip of the other one.     There is a special reason why the radio, which suggests a deep, soulful connection between the two women, appears as a prop not just here but also in other pictures like “Explicit Content” or “Mopelola”. Idowu has spoken about its cultural significance in conversation. “When I was growing up, my father played a lot of music which has stayed with me to this day. Through its inherent power, the radio became an object of respect. In my homeland there has been no military putsch which has not first been announced over the government- controlled radio. I always wondered about how good as well as bad power is inherent in this medium, like in the case of the Rwandan businessman Félicien Kabuga, who used his radio station to spark the genocide in Rwanda. But music is also a weapon of the future as well as also of progressives and, in addition, a giver of life. Great revolutionaries use music in order to convey positive messages. Like the saxophonist, bandleader and political activist Fela Anikulapo Kuti, who died in Lagos in 1997. He battled colonial slavery with his Afro-Beat sound, which he described as ‘Colo mentality’. Similarly, for example in America, when the internet did not yet exist, the musicians LL Cool J or Run DMC communicated with their generation through the boombox.”   From here on the picture “The Collector” opens up to us. In front of us is a young man, whose head is so wrapped in a cloth that only his braided locks of hair poke out. With his legs crossed, he sits in a green armchair on a tiled floor in red jeans and with a naked upper body. His left arm leans on the seat back and his right arm is propped up on a nightstand. On it is a record player and hanging behind him on the wall, instead of posters, are LPs and record covers of King Sunny Adé, who combined traditional with pop music or Haruna Ishola who, forgoing Western instruments, cited Yoruba proverbs as well as Koran texts in his songs. The cover of Fela Anikulapo Kuti with an iron chain around his neck appears in the ornamental window sunk into the nightstand like a discrete homage. The life of Fela Kuti illustrates that music can be the emancipatory mouthpiece Idowu demonstrates his respect for. In his texts, he criticized the social systems in Africa deformed through colonization and condemned the dictatorial Nigerian military regime. In his album “Zombie”, released in 1976, he criticized the soldiers of the government as zombies. He represented a threat to the ruling class due to his popularity amongst the Nigerian population, his international recognition and the radicality of his song texts. That is why in 1977 around 1,000 soldiers set fire to his recording studio in Kalakuta. Kuti survived with a basal skull fracture. However, his 77-year-old mother died from her injuries. Out of protest, Kuti had her casket brought in front of the presidential palace of Olusegun Obsanjo. In 1981, he released the album “Coffin for Head of State” and fled to Ghana with his band.   The deeper we delve behind the ostensible surface of his paintings, the more it becomes apparent that with only a few references and accessories embedded as symbols in the pictures, Idowu alludes to events in Nigeria. In doing so, his commitment to music is informed by the spirit of hope.         

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  Heinz-Norbert Jocks  Revolte im Unscheinbaren  Über die Malerei von Idowu Oluwaseun    Seine Bilder zeugen von einer magisch aufgeladenen, manchmal gar geheimnisvollen Atmosphäre. Dabei ist der 1982 in Lagos geborene, heute im texanischen Houston lebende Künstler Idowu Oluwaseun, der zunächst an der School of Art Design and Printing, Yaba College of Technology in Lagos, dann bei Rita McBride an der Düsseldorfer Kunstakademie studiert hat, kein Surrealist mit Neigung zum Magischen wie René Magritte, vielmehr ein passionierter Realist mit einer gewissen Vorliebe für Details. Nach eigenen Fotografien malend, belässt er es nicht nur dabei, Gemälde wie Fotografien erscheinen zu lassen. Vielmehr unterstreicht er deren fotografische Wirkung, dieses seltsame Als Ob. Ja, obwohl deren Ähnlichkeit zur fotografischen Aufnahme so frappierend ist, bleibt evident, dass der Maler hier Fotografien meisterhaft und subtil mit Farben nachmodelliert, und zwar so, dass die dabei entstehenden Bilder am Ende doch als vollwertige Malerei lesbar sind. Ein Maler simuliert hier quasi auf perfekte, dabei von der Vorlage abweichende Weise den Fotografen. Dass er dies tut, hat zum einen mit der Behauptung von Wirklichkeitsnähe zu tun. Zum anderen damit, dass es ihm auf die Darstellung eines Moments und nicht einer längeren Dauer ankommt. Als Maler, der in den Nuancenreichtum der Fotografie taucht, um ihr so nahe wie eben möglich zu kommen, pocht er folglich auf die Zeugenschaft seines Mediums. Das heißt, er will betonen, dass er mit seinen Bildern auf eine Realität verweist und keine Fiktionen schafft. Subtil zwischen beiden Medien oszillierend, erweckt er so den paradoxen Anschein, das Gemalte sei fotografiert und real. Gleichzeitig sagt er, alles ist gemalt, was einschließt, dass er mehr Zeit für die Darstellung als der Fotograf für die Aufnahme gebraucht hat. In dieser Zwischenzone lässt er uns verweilen. Gerade dadurch erhält der von ihm festgehaltene Moment eine aus dem gleichgültigen Zeitfluss herausgeschnittene Bedeutung. Diese hebt er dadurch hervor, dass er mittels Malerei Betonungen vornimmt, die sich mit der Fotografie nicht gleichermaßen erreichen lassen. Das alles zwingt uns Betrachter unwillkürlich zu Fragen: Warum ist dieser Moment festgehalten? Worauf verweist und was beinhaltet er? Welche Bedeutung ist dem Gezeigten eingeschrieben?  Zunächst einmal: Sein Genre ist das Porträt von Menschen seiner nigerianischen Heimat, sowohl Männer als auch Frauen, alle in jungen Jahren. Die Art und Weise, wie von ihm Menschen porträtiert werden, erinnert an den Porträtstil afrikanischer Fotografen, insbesondere an den 1923 im malischen Bamako geborenen, 2001 in Paris gestorbenen Seydou Keïta.  Idowu beruft sich auf dessen Werk als Inspirationsquelle, und tatsächlich sind Parallelen erkennbar. Denn auch Keïta ließ seine Modelle vor der Kamera mit ihrer Habe oder ihren Accessoires wie Radios, Uhren oder Motorroller in seinem Studio posieren. Sie tragen auch bei ihm afrikanische Outfits. Diese Idee übernahm Idowu. Doch im Gegensatz zu den von Keïta Porträtierten, deren Gesichter uns emotional berühren und seelische Zustände und Lebenssituationen erahnen lassen, zeigt Idowu vornehmlich Körper ohne Physiognomie in ihrer ganzen Schönheit. Seinen Modellen verleiht er dadurch, dass er ihre Köpfe mit bemusterten Tüchern entweder ganz oder zu einem Teil verhüllt, so dass nur Nase und Mund hervorlugen, eine vor Befragungen schützende Anonymität. Insofern er alles ausblendet, was wir üblicherweise mit Porträts in Verbindung bringen, kann hier in gewisser Weise von einem Antiporträt die Rede sein. Weder Namen werden genannt, noch Eigenschaften benannt. Ein Blick hinter die äußere Erscheinung wird so unmöglich gemacht. Verhindert wird dadurch, dass wir uns ein konkretes Bild von den Modellen machen. Die Gesichtslosigkeit ist Konzept, insofern das Lesen von Lebenspuren in den Gesichtern nicht nur in den Hintergrund gedrängt, sondern diesem Grenzen gesetzt wird, und dies mit Absicht. „Die Gesichter“, so Idowu, „sind bewusst verdeckt, um die Träger meiner Botschaft zu schützen. Und dies, um zu zeigen, wie gesichtslos die Minderheit ist.“ Diese Auskunft über die Intention weist den Weg, die Darstellungen von Yarubi in ein anderes Licht zu rücken, die wie für ein Fotoshooting Modell stehen, aber nicht in der Absicht, ihre Individualität zu beleuchten. Er hat etwas anderes im Sinn. Richtet er doch unsere Aufmerksamkeit anhand der Porträts auf die Ignoranz der Weltöffentlichkeit gegenüber seinem Land, welches das bevölkerungsreichste auf dem afrikanischen Kontinent ist. Er selbst sieht das auf Kosten der massenhaft Verarmten von den politischen Führern unterdrückte Potential seiner Heimat als möglichen Leuchtturm der Hoffnung für die Menschheit. Seine Sorge gilt dem, wie Nigerianer sowohl zu Hause als auch in der Diaspora von anderen Nationen wahrgenommen werden, sowie der Not und unsicheren Lebenslage seiner zu Massen verarmten, von Mord bedrohten Landsleute, die schwer unter den politischen Verhältnissen leiden. Doch hat er keine Bilder aus dem notleidenden Alltag der Nigerianer geschaffen. Was sehen wir dann? Vor uns zwei junge Männer, auf die von Links das Licht so fällt, dass eine Hälfte ihres nackten Oberkörpers aufgehellt ist und glänzt, während die andere Hälfte sich allmählich verdunkelt. Der eine trägt eine blaue Latzhose, der andere eine rote Jeans, zudem einen schwarzen Koffer. Ihre Oberkörper sind so akkurat gemalt, dass wir beinah jede Pore auf der Haut, jede Sehne und jeden Muskel realisieren. Wenn die mit dem Gesicht frontal zu uns Gewandten sich direkt vor uns positionieren, so fühlen wir uns zum einen an das dunkle Kapitel der Sklavenzeit erinnert, als Körper wie Waren gemustert und gehandelt wurden. Zum anderen gewinnen wir den Eindruck, hier werden Menschen präsentiert, deren Individualität und Persönlichkeit uns bewusst vorenthalten werden. Die irritierende Auslassung der Gesichter lässt sich als Kritik an der Nichtwahrnehmung und am geringschätzenden Umgang der Welt mit der Kultur und dem Leben der Menschen in Nigeria verstehen. Und gleichzeitig werden die Gesichter in der Darstellung ausgespart, damit sie unseren Blicken nicht ausgeliefert sind. Eine Distanz wird sozusagen als Schutzzone errichtet.  Da die Köpfe bis zum Hals verhüllt, weder Augen, noch Nase, kein Mund und auch keine Ohren sichtbar sind, bleiben die Porträtierten für uns Betrachter absolute Rätsel, die sich nicht auflösen lassen. Das einzige, was sowohl dadurch, dass ihre Körper sich gleichen, als auch dadurch, dass sie sich die Hand halten, angedeutet wird, ist, dass es sich hierbei um Zwillinge handelt, deren Kopfbedeckungen sich farblich und vom Muster her als Zeichen dafür unterscheiden, dass die Beiden an der Schwelle stehen, an der sich ihr bisher gemeinsamer Lebensweg scheidet.  Dies ist nicht das einzige Bildnis eines Zwillingspaars, das Idowu porträtiert hat. Dass er sich mit Zwillingen beschäftigt, hat damit zu tun, dass in Nigeria die Zahl der Geburten von zweieigen Zwillingen weltweit die höchste ist. Sie gelten als Geschenk Gottes und Glücksbringer, werden mit Zuneigung, Liebe und Respekt behandelt und ihre Geburt als gutes Omen begrüßt, während sie in vorkolonialer Zeit, als schlechtes Zeichen gedeutet, ertränkt oder ausgesetzt und die Mütter nicht selten getötet wurden, weil man sie verdächtigte, mit zwei Männern geschlafen zu haben. Noch heute glauben die Menschen in Yorubaland, im Südwesten Nigerias, dass Zwillinge eine gemeinsame Seele haben. Stirbt der Zwillingsbruder oder die Zwillingsschwester, wird dem überlebenden Kind eine Holzfigur zur Seite gestellt, in der die zweite Hälfte der Seele weiterleben soll. Gekleidet wie das Zwillingskind, bekommt es zu essen und wird von der Mutter mit zum Markt genommen. Sonst, so die Vorstellung, könnte der Zwilling nicht überleben. Im Gegensatz zu den Zwillingsbrüdern, deren Gesichter ausgeblendet sind, sind die Köpfe der von Idowu gemalten Zwillingsschwestern, deren auf einem alten Kastenradio abgestützten Arme und Hände sich sanft berühren, nicht vollkommen verhüllt. Unser Blick fällt auf den Bereich zwischen Mund und Kinn, vor allem auf die zum Glänzen gebrachten Lippen. Deren pralle Sinnlichkeit wird durch die flatternden Shirts noch unterstrichen. Die Beiden tragen schwarze T-Träger-Shirts auf glatter Haut, zudem schwarze Halsketten und einfarbige Hidschabs, die wie üblich Haare, Hals, Ohren und hier auch noch die Augen verdecken. Ihre innigliche Verbundenheit zeigt sich auch daran, dass die eine Schwester ihre Hand unter die Hüfte der anderen gelegt hat.  Dass das Radio als Requisit, über das eine tiefe Seelenverbindung zwischen den beiden Frauen suggeriert wird, nicht nur hier, sondern auch in anderen Bildern wie „Explicit content“ oder „Mopelola“ auftaucht, damit hat es eine besondere Bewandtnis. Über die kulturelle Bedeutung äußert sich Idowu im Gespräch: „Als ich aufwuchs, spielte mein Vater viel Musik, die mir bis heute erhalten geblieben ist. Das Radio wurde aufgrund seiner inhärenten Kraft zum Gegenstand der Ehrfurcht. Es gibt keinen Militärputsch in meinem Heimatland, der nicht zuerst in dem von der Regierung kontrollierten Radio angekündigt wurde. Ich habe mich immer darüber gewundert, dass diesem Medium eine sowohl gute als auch schlechte Kraft innewohnt, wie im Fall des ruandischen Geschäftsmanns Félicien Kabuga, der seinen Radiosender benutzt hat, um den Völkermord in Ruanda auszulösen. Musik ist aber auch eine Waffe sowohl der Zukunft als auch der Progressiven und darüber hinaus ein Lebensspender. Große Revolutionäre verwenden Musik, um positive Botschaften zu übermitteln. Wie der 1997 in Lagos verstorbene Saxophonist, Bandleader und politische Aktivist Fela Anikulapo Kuti, der mit seinem Afro-Beat-Sound die koloniale Sklaverei bekämpfte, die er als „Colo-Mentalität“ bezeichnete. Ebenso kommunizierten in Amerika, als es das Internet noch nicht gab, beispielsweise die Musiker LL Cool J oder Run DMC über die Boombox mit ihrer Generation.“  Von hier aus erschließt sich uns das Bild „The Collector“. Vor uns ein junger Mann, dessen Kopf mit einem Tuch so umwickelt ist, dass nur seine geflochtene Frisur herausragt. Die Beine überkreuz, sitzt er mit nacktem Oberkörper und in roter Jeans auf einem gekachelten Fußboden in einem grünen Fauteuil. Den linken Arm auf die Rückenlehne gelehnt und der rechte Arm auf einer Nachtkonsole abgestützt. Darauf ein Plattenspieler und hinter ihm an die Wand gehängt: Statt Poster LP`s und Plattencover von King Sunny Adé, der einheimische mit Popmusik verknüpfte, oder von Haruna Ishola, der, auf westliche Instrumente verzichtend, in seinen Liedern sowohl Yoruba-Sprichwörter als auch Koran-Schriften zitierte. Wie eine diskrete Hommage erscheint das in das ornamenthafte Fenster des Nachtschränkchens eingelassene Cover von Fela Anikulapo Kuti mit einer Eisenkette um seinen Hals. Dass Musik ein emanzipatorisches Sprachrohr sein kann, vor dem sich Idowu verbeugt, verdeutlicht das Leben von Fela Kuti, der in seinen Texten die durch die Kolonialisierung deformierten Gesellschaftssysteme in Afrika kritisierte und das diktatorische Militärregime Nigerias verurteilte. Auf seinem 1976 erschienenen Album „Zombie“ kritisierte er die Soldaten der Regierung als Zombies. Wegen seiner hohen Beliebtheit in der nigerianischen Bevölkerung, seiner internationalen Bekanntheit und der Radikalität seiner Liedtexte stellte er eine Bedrohung für die Herrschenden dar. Deshalb setzten 1977 rund 1000 Soldaten sein Tonstudio Kalakuta in Brand. Kuti überlebte mit einem Schädelbasisbruch. Seine 77-jährige Mutter starb hingegen an ihren Verletzungen. Aus Protest ließ Kuti ihren Sarg vor den Präsidentenpalast von Olusegun Obasanjo bringen. Im Jahre 1981 veröffentlichte er das Album „Coffin for Head of State“ („Sarg für Staatsoberhaupt“) und floh mit seiner Band nach Ghana.  Je tiefer wir hinter die scheinbare Oberfläche seiner Malerei dringen, um so stärker zeigt sich, dass Idowu mit nur wenigen Zitaten und Accessoires, die als Symbole in die Bilder eingeflochten sind, auf Ereignisse in Nigeria anspielt. Seinem Bekenntnis zur Musik liegt dabei der Geist der Hoffnung zugrunde.