Die Erfolgsgeschichte des Stilllebens, so wie wir es heute verstehen und definieren, als eigenständige Darstellung unter ästhetischen, oft auch symbolischen Aspekten vom Maler angeordneten reglosen, kostbaren oder alltäglichen Gegenständen wie Früchten, Gemüse, Blumen, toten Tieren und Objekten fern ihrer natürlichen Umgebung, beginnt im Spät-Manierismus, beziehungsweise im Barock und dauert bis zum heutigen Tage an. Die Entstehung dieser Darstellungsform erfolgte länderübergreifend und führte in einer Kombination von regungslosen Gegenständen zu einem eigenständigen Thema, das sich zuvor in der Kunst als reine Staffage, als Attribut heiliger Figuren, als symbolische Gegenstände in allegorischen Darstellungen, als Gegenstandsdarstellung in Landschaftsbildern entwickelt hatte. Um 1600 sind die allerersten Beispiele von reinen Stillleben in den Niederlanden, Deutschland, Spanien und vereinzelt in Italien zu datieren. Voraussetzung dafür war auf Seiten des Künstlers der Einsatz der zu diesem Zeitpunkt erreichten realistischen und naturgetreuen Darstellung, bis hin zum Trompe-l’oeil, sowie auf Seiten des Betrachters die Bereitschaft, das Dargestellte im Zusammenhang zu interpretieren. Es galt also, das Gesehene so wirklichkeitsnah wie nur möglich wiederzugeben und dieses zugleich mit einer innewohnenden Botschaft auszustatten, die der Betrachter entschlüsseln musste. Erläuterungen zur Entschlüsselung der Bedeutung der einzelnen Gegenstände finden sich in zahlreichen antiken Schriften, aber vor allem in Traktaten des Mittelalters und der Renaissance. Literarische Vorlagen dafür waren unter anderem die Bibel, in der oft Beziehungen von Blumen und Früchten in Metaphern und Parabeln beschrieben sind, sowie in den Apokryphen, in der klassischen Mythologie und in den Metamorphosen des Ovid, in wissenschaftlichen Texten wie der Naturalis Historia des Plinius, der De Rerum Natura des Lukrez, in den Traktaten zur Landwirtschaft von Cato und Varro, oder in den Herbarien, welche die Eigenschaften der verschiedenen Pflanzen erwähnen, die oft auch moralisch interpretiert wurden.

Zugegeben, es sind bereits aus der römischen Spätantike Mosaiken und Fresken mit der Darstellung reiner Gegenstände erhalten, wie beispielsweise in Pompeji. Diese können aber nicht dem Stillleben in unserem modernen Sinn zugeordnet werden, da sie als rein dekorative Beigabe dienten, wie zum Beispiel für den Essraum oder um den Reichtum des Hausbesitzers vor Augen zu führen. Mittelalterliche Beispiele sind kaum nachweisbar und Arrangements von Pflanzen und Geräten Ende des späten 14. und Anfang des 15. Jahrhunderts, beispielsweise bei Jan van Eyck, Robert Campin und Rogier van der Weyden, sind als allegorische Hinweise oder Attribute zu interpretieren. Darauffolgende Stillleben sind als Teil eines übergeordneten Ganzen zu sehen, wie die Aussenseiten von Flügelaltären oder Wandverkleidungen. So auch einige kleinformatige Stillleben, wie das von Jacopo de‘ Barbari 1504 gemalte Jagdstück „Rebhuhn mit Eisenhandschuhen und Armbrustbolzen“, das wohl als Schiebedeckel eines Portraits diente. Der Entstehung des selbständigen Stilllebens als detailgetreue Abbildung gegenständlicher Natur mit überhöhtem Sinngehalt Anfang des 17. Jahrhunderts folgten alsbald eine ganze Reihe von Untergruppen: Früchte-Stillleben, Blumen-Stillleben, Frühstücks-Stillleben, Fisch-Stillleben, Jagd-Stillleben, Küchen-Stillleben, Trophäen-Stillleben, Bücher-Stillleben, Raucher-Stillleben, Schatz-Stillleben, u. v. a. Eine besondere Stellung nahm dabei der sogenannte Vanitas-Gedanke ein - meistens durch einen Totenschädel, eine Sanduhr, eine erloschene Kerze oder zerbrochene Gegenstände versinnbildlicht. Sie sollten auf die Vergänglichkeit irdischer Güter, sowie auf die Nichtigkeit und Eitelkeit der Welt der Lebenden hinweisen und dazu auffordern, sich mit den wahren, dauerhaften Werten, meist christlicher Natur, zu befassen. Das Stillleben sollte nach einer ersten Blütezeit im 17. Jahrhundert etwas an Bedeutung einbüssen, um dann mit den Impressionisten wieder zu einem beliebten Motiv zu werden. Dabei verlor der Sinngehalt, die innewohnende verschlüsselte Bedeutung, hinter der rein formal-ästhetischen Komposition an Tragkraft, um mit dem Kubismus und dem Expressionismus beides abzulegen und entsprechend den Stilrichtungen aufgelöst und neu komponiert, beziehungsweise abstrahiert und verformt zu werden. An diesen historischen Kontext knüpft unsere Ausstellung an.

Die Stillleben der Künstler der „Brücke“, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde und Karl Schmidt-Rottluff, die frühesten Beispiele in unserer Präsentation, zeigen bevorzugt Vasen und Krüge mit Schnittblumen. Sie folgen also der Tradition des Blumenstücks, dem in den Niederlanden Maler wie Georg Flegel, Jan Brueghel der Ältere, genannt Blumenbrueghel, Ambrosius Bosschaert, Roelant Savery, Jan Davidsz de Heem und Jan van Huysum zu grosser Verbreitung und Erfolg verholfen hatten. Wiederaufgegriffen wurde dieses Motiv dann in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts von Claude Monet, Paul Cézanne und Vincent van Gogh. Es handelte sich besonders bei den frühen Niederländern um kunstvoll arrangierte Kompositionen und Staffelungen von Blüten, die sich so in der Realität nicht hätten ergeben können, da sie in sich zusammengefallen wären und auch aus verschiedenen Jahreszeiten stammten. Hier erlaubte sich der Künstler eine gewisse Freiheit im Sinne der symbolhaften Bedeutung. Die Blumenstücke der Expressionisten hingegen scheinen von der tatsächlichen Realität auszugehen, werden aber stilisiert und abstrahiert, teilweise gar verformt, um eine Synopse und Rundumansicht der ansonsten hintereinander gestaffelter Gegenstände zu erreichen.

Karl Hofer, Max Peiffer Watenphul und Christian Rohlfs führten diese Tradition fort. Auch bei Ihnen prominent im Bild: Vasen mit stark farblich abgesetzten Blumen, bis hin zu Zeitgenossen wie Daniel Spoerri und noch jünger Peter Hofmann. Sie alle haben sich mit dem Motiv der kunstvoll arrangierten Schnittblumen in einem Gefäss auseinandergesetzt und dieses in kräftigen Farben verewigt. Von Ernst Ludwig Kirchner und Otto Mueller gibt es auch Blumen in der freien Natur, bei denen der Künstler nicht kompositorisch ins Motiv eingegriffen hat, sondern auch die unmittelbare Umgebung, so wie er sie vorfand, gemalt hat. Dies gilt auch für den zeitgenössischen spanischen Künstler Darío Basso, der sich jedoch die einzelne Blüte als Motiv wählt, die er in mit Aquarell überarbeiteten Fotografien oder Öl und Acryl auf Leinwand darstellt. Früchtekörbe und Gemüse in Gemälden von Karl Hofer sowie einige Körbe und Vasen des Plastikers Giuseppe Maraniello runden unsere Ausstellung ab.

Wir laden Sie und Ihre Freunde herzlichst ein zur Vernissage, die dieses Mal wieder an einem Freitag stattfinden wird, und zwar am 2. Dezember von 12.00 bis 19.00 Uhr, oder auch gerne zu einem späteren Besuch der Ausstellung.

Verbinden Sie doch einen Besuch in unserer Galerie mit einem Gang durch die wunderbaren Ausstellungshallen der Fondation Beyeler, die sich nur wenige hundert Meter von uns entfernt in Riehen befindet. Bis 22. Januar 2017 können Sie hier “KANDINSKY, MARC & DER BLAUE REITER“ bewundern und bis 1. Januar 2017 die Ausstellung von Roni Horn. Ab 22. Januar 2017 widmet die Fondation Beyeler dem Maler Claude Monet ihre Ausstellungsräume. Werke aus der ständigen Sammlung der Fondation Beyeler sind immer zu sehen.

Wir würden uns sehr freuen, Sie und Ihre Kunstfreunde in unserer Galerie begrüssen zu dürfen.

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The success story of the still life as we understand and define it today – namely as a freely composed aesthetic, often symbolically charged representation of inanimate, precious or commonplace objects such as fruits, vegetables, flowers, dead animals and other objects divorced from their natural surroundings – began in the period of late Mannerism or early Baroque and has continued right up until the present day. This form of representation, which essentially consisted in the depiction of aesthetically combined inanimate objects, originated without regard for national boundaries and soon became a genre in its own right, its predecessors having been used by artists merely as decoration, as attributes of the saints, as symbolic objects in allegorical depictions, or as accessories in landscape paintings. The very first examples of the still life as an autonomous genre made their appearance in the Netherlands, Germany, Spain and, to a lesser extent, in Italy and can be dated to around 1600. The prerequisites for the development of the still life were the artist's ability to represent objects as realistically and as faithfully as possible – even trompe-l'oeil skills were already possible in those days – and the viewer's willingness to interpret what he saw within the context of the composition. Thus the painter was required to paint what he saw as realistically as possible and at the same time furnish it with an inherent message that the viewer had to decipher. Explanations of the ciphered meanings of individual objects may be found in countless ancient writings, above all in the treatises of the Middle Ages and the Renaissance. Literary sources of reference included the Bible, in which the meanings of fruits and flowers are often explained in metaphors and parables, as well as the Apocrypha, classical mythology, the Metamorphoses of Ovid, such scientific writings as Pliny's Naturalis Historia, Lucretius's De Rerum Natura and the treatises on agriculture by Cato and Varro, and, last but not least, the many herbaria that describe the properties of plants, these often being interpreted in a moral sense.

Admittedly, the mosaics and frescoes of late Roman antiquity already included depictions of objects, as in Pompeii, but such depictions cannot count as still lifes in our modern sense, as they served purely decorative purposes, for the dining room, for example, or as a means of displaying the wealth of the owner of the house. There are hardly any mediaeval examples, and the arrangements of plants and implements in paintings of the late 14th and early 15th centuries – in the works of Jan van Eyck, Robert Campin and Rogier van der Weyden, for example – must be interpreted as attributes or allegorical allusions. The still lifes that followed must be seen as just a part of a supraordinate whole, like the outer wings of church altars or wall coverings or panellings. The same goes for such small-format still lifes as Jacopo de' Barbari's hunting piece “Still Life with Partridge and Gauntlets” of 1504, which was evidently intended as a sliding cover for a portrait. The development, at the beginning of the 17th century, of the still life as a genre in its own right, as a realistic representation of natural objects with a heightened meaning, was soon followed by a great many different subcategories: still lifes with fruits, with flowers, with breakfast settings, with fish, with game, with kitchen utensils, with trophies, with books, with smoking requisites, with treasure trove, and a host of other objects. A special aspect of the still life was the so-called vanitas topos, which in most cases was symbolized by a human skull, an hourglass, an extinguished candle or some broken object. They were meant to allude to the transience of earthly things and to the frivolity and vanity of the world of the living and to encourage devout concern with true, lasting, mostly Christian values. 1962/63After its first heyday in the 17th century, the still life lost much of its significance and it was not until the 19th century and the coming of the Impressionists that it again became a popular genre. By this time, however, the still life had lost its inner, encoded meaning in favour of pure aesthetic form. Both inner meaning and aesthetic form were then completely abandoned in the still lifes of the Cubists and Expressionists and subjected to the characteristic stylistic distortions and compositional abstractions of these movements. It is in this historical context that our forthcoming exhibition has its starting point.

The still lifes of the “Brücke” artists Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde and Karl Schmidt-Rottluff, which are the earliest examples in our presentation, mainly depict vases and jugs with cut flowers, thus following in the tradition of the floral still life, the widespread success of which is owed largely to such painters in the Netherlands as Georg Flegel, Jan Brueghel the Elder, who was nicknamed “Flowers Brueghel”, Ambrosius Bosschaert, Roelant Savery, Jan Davidsz de Heem and Jan van Huysum. This theme was taken up again in the second half of the 19th century by Claude Monet, Paul Cézanne and Vincent van Gogh. The floral still lifes of the 17th century, especially those of the early Dutch and Flemish painters, featured artistic floral arrangements that could not have existed in reality, as the flowers blossomed in different seasons and the arrangements would have collapsed anyway, but we must see this as one of the freedoms artists permitted themselves for the sake of symbolic meaning. The floral still lifes of the Expressionists, on the other hand, seem to proceed from actual reality, but are then stylized and abstracted, to some extent even distorted, in order to achieve a synoptic, all-around view of objects that are otherwise arranged one behind the other.

Karl Hofer, Max Peiffer Watenphul and Christian Rohlfs continued this tradition. They too painted vases of flowers in strongly contrasting colours, and the story continues right up to the present day, with contemporaries like Daniel Spoerri and, even more recently, Peter Hofmann. All of them have devoted themselves to the theme of artistically arranged flowers in a vessel, the latter being rendered in equally strong colours. Ernst Ludwig Kirchner and Otto Mueller also painted flowers outdoors, in their natural haunts. Here they made no attempt at composition but painted the flowers and their immediate surroundings just as they found them. The same may be said of the contemporary Spanish painter Dario Basso, but his motifs are individual flowers, which he depicts in photographs worked over with watercolour or in oil and acrylic on canvas. Rounding off the forthcoming exhibition are baskets of fruit and vegetables in paintings by Karl Hofer and several baskets and vases by the sculptor Giuseppe Maraniello.

We cordially invite you and your friends to the vernissage, which will again be taking place on a Friday, namely on 2nd December 2016, between 12.00 noon and 7.00 pm. If you cannot make it, you are of course welcome to visit the exhibition at any time within its duration.

Your visit to our gallery could be complemented by a stroll through the wonderful exhibition halls of the Beyeler Foundation, which is located only a few hundred metres away from our gallery in Riehen. The present exhibition “Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter” can be viewed until 22nd January 2017 and the exhibition of Roni Horn until 1st January 2017. From 22nd January the Fondation Beyeler will be devoting its exhibition rooms to the painter Claude Monet. Works from the permanent collection of the Fondation Beyeler may be viewed any time.

We are looking forward very much to the pleasure of welcoming you and your friends and fellow art lovers to the forthcoming exhibition at our gallery.

Alexandra Henze Triebold
(Translated by John Brogden)